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El planteamiento de la historia: ¿Qué es y por qué es importante?

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Planteamiento significa plantear algo, que a su vez se define como la exposición o trazo de un problema, tema o duda; es establecer las bases para la solución de un conflicto. En el cine, el planteamiento de la película significa presentar los elementos de la historia y el camino hacia el que se dirigen.

Una historia al estilo ‘príncipe debe ir a rescatar a princesa’ presenta durante su planteamiento esta misión, para también el contexto donde se desarrolla el relato y los personajes que en él conviven; por ejemplo, quién es la princesa, quién es el príncipe, por qué es importante que él la rescate a ella, qué está en juego o qué se gana y qué se pierde de cumplir o no cumplir la misión, quiénes son los aliados, quiénes son los enemigos, etcétera.

En un relato cualquiera, literario, televisivo o cinematográfico, las tres partes básicas de la historia son planteamiento, nudo y desenlace. Cada uno tiene su función específica. El planteamiento ubica a la historia en un lugar y un tiempo, sus personajes y la realidad tal cual la viven éstos. El nudo o la parte media es la pieza del relato en donde se desenvuelve el conflicto. Mientras que el desenlace es la resolución de los acontecimientos.

El planteamiento de la historia es importante por varias razones, establece un tono de historia, introduce el mundo en que se desarrolla el relato y los personajes que en él participan, además de cimentar las estructuras que funcionan como base para el desarrollo de la historia: las reglas de este mundo (real o ficticio) y las dimensiones de la situación en la que están envueltos los protagonistas (ya sea un relato romántico, de ciencia ficción, de intriga detectivesca u otro); en corto, es como si la historia pusiera sobre la mesa su identidad (quién es, qué hace y hacia dónde va), para así preparar al espectador para lo que viene (el resto de la historia: el nudo y el desenlace).

En una película, cuando un planteamiento está mal o accidentadamente trazado, el resto de la historia carece, sufre tropiezos y hasta pasa por inconsistencias. Por ejemplo, si los personajes no saben por qué hacen lo que hacen, es que no han sido bien desarrollados, algo que se viene arrastrando desde el planteamiento. Pero si la historia en sí tiene huecos y el rumbo hacia dónde va no está claro (y esto no significa que tenga o no giros sorprendentes, sino que no parezca que se han trazado bajo un objetivo) entonces el planteamiento es flojo y eso se traspasará hacia el resto de la historia.

Incluso los temas y el tono de la película (cómica, policiaca, de intriga, de investigación, suspenso o farsa) son presentados desde la primera parte del relato, y lo mismo pasa con los temas a tratar, las reflexiones a proponer y el rumbo hacia donde están destinados sus personajes, su arco. El planteamiento carga con todos estos elementos, es decir que el planteamiento, al presentar el mundo en que se desarrolla la historia, presenta también el panorama general que vivirán tanto los personajes como la narración misma.

Si ‘Los Juegos del Hambre’ se desenvuelve en un mundo distópico, las carencias o habilidades de la protagonista, y del mundo en el que vive, por la realidad en la que se desarrolla el relato, y a la que se enfrenta, deben están presentes desde los primeros minutos de la historia. En este caso, tanto en la novela como en la película puede observarse cómo la narración plantea las aptitudes y debilidades de Katniss Everdeen, que luego jugarán papel importante en el desarrollo, tanto en su nudo como su desenlace. El que sea buena con el arco, que su hermana sea lo más importante para ella o su lealtad para con quienes siente afecto son elementos claramente expuestos en el planteamiento, para luego profundizarse o retarse en un punto crítico de la historia.

Así, el planteamiento es tan importante para cada personaje como para cada línea de acción que tomará la narrativa, es decir, el rumbo hacia dónde se dirige y los obstáculos que pone frente a sus protagonistas y demás personajes. Si esta primera parte de un relato falla, puede resultar en personajes unidimensionales, confusión de la historia, dudas sobre quién es quién o cuál es su relación con los otros personajes, temas sin profundizar o que quedan superficiales, incluso temas sobreexpuestos o que la historia se sienta ‘lenta’, esto es, que tarde en arrancar o que, después de mucho tiempo, parezca que no va hacia nada. Lo cual no tiene que ver con que su ritmo narrativo sea pasivo, sino que la historia, la sucesión de hechos, parece no tener objetivo.

La primera toma de ‘Luz Silenciosa’, por ejemplo, película de 2007 dirigida por Carlos Reygadas, muestra un amanecer durante aproximadamente cinco minutos. Aquí no es que ‘no pase nada’, al contrario, esta elección visual de estilo que escoge el director tiene un motivo; esa escena, lo que muestra, incluso lo que dura, quieren decirle algo al espectador, algo que además resulta acorde con la historia que cuenta, los personajes que presenta y los temas que aborda.

Cada relato puede también tener sus giros sorpresivos, cambios de ritmo y dinámica versátil, que además puede alimentarse de las herramientas de la narrativa (historias no lineales o narradores omniscientes, por ejemplo); pero lo que no puede, o nunca debe hacer una historia, es contradecirse a sí misma, es decir, no puede dejar de ser coherente con su propia lógica. Para que no se cometa este error, el trazo del planteamiento debe ser claro y explícito. Al final, no se trata de que una historia tenga que ser completamente directa con su espectador, al contrario, se trata de que cada elemento (como la identidad y el propósito que cada personaje juega dentro de la historia) tenga sentido y esté explicado (de nuevo, no tiene que ser obvio, pero sí estar presente de alguna manera).

‘Donnie Darko’, por ejemplo, no tiene  porqué  explicar de forma evidente todos sus elementos metafísicos, ni que juegan un rol importante en el desarrollo de la historia, las temáticas que aborda y las reflexiones que propone, pero los viajes en el tiempo o la posibilidad de que dos universos paralelos puedan juntarse en un mismo punto deben plantearse desde la primera parte de la película, de forma que haya elementos, tal vez visuales y simbólicos, tal vez en subtexto, que indiquen que en este relato la posibilidad metafísica es más que una fantasía imaginada o irreal.

La silueta o estructura que toma un planteamiento, en comparación con otro, varía según cada tipo de historia; no es lo mismo adentrarse a un mundo futurista que ambientar un relato en el siglo pasado o en el presente; no es lo mismo si toma lugar en México, Japón o Irlanda; que sea una historia ficticia o un hecho real documentado, un romance juvenil o una investigación legal. No es tampoco lo mismo si toda la historia sucede en un mismo escenario, en una locación, con sólo dos personajes, o si sucede en diferentes realidades (pasado-presente-futuro) y con muchos personajes interactuando al mismo tiempo.

‘Muerte a la media noche’ por ejemplo, película de 2001 dirigida por Robert Altman, hace un trabajo sobresaliente en su guión y, más específicamente, en su planteamiento. La historia transcurre durante un fin de semana en una campiña inglesa, en 1932; hay una reunión entre varias familias adineradas, pero a mitad de la noche ocurre un asesinato. La historia presenta la vida de los hombres y mujeres de la alta sociedad, pero también la de sus sirvientes y criadas. La historia no sólo debe adentrar al espectador al mundo en su contexto histórico, lugar y tiempo, sino también a la realidad de los personajes que viven ‘arriba’ y los que viven ‘abajo’, (sus problemas, anhelos, expectativas y visión de su mundo), además de establecer el misterio del asesinato (quién fue y por qué lo hizo). Todo se logra durante el planteamiento con un buen ritmo y la suficiente introducción para dejar que la historia fluya. Hay muchos personajes que interactúan y toman parte importante durante el relato, pero nunca parece que se atropellan entre sí. Los primeros minutos tampoco parecen un gran montaje que presenta a cada uno de los actuantes por segmentos, al contrario, las dinámicas son trazadas de forma natural cuando, a la llegada de los invitados, cada miembro de la alta sociedad se presenta y cada uno de sus empleados procede a cumplir con su trabajo. No por nada la película se llevó el premio Oscar en la categoría de mejor guión original, además de estar nominada a otras seis categorías, incluyendo mejor película.

En algunos casos también sucede que la presentación de la historia, el planteamiento, suena muy intrigante y atractivo, pero el resto del relato no cumple con las expectativas, o se vuelve enredado y confuso en su avance.  Hay todo tipo de escenarios posibles, tantos como número de películas existan, pero no es que una historia por ser sencilla asegure sobresalir, ni que un relato con muchos recovecos no pueda lograr cumplir eficientemente para contar su historia, o viceversa.

No, lo importante es partir de un punto básico y nutrir desde ahí la historia: primero se plantea la trama y luego las subtramas, por ejemplo; y primero se parte del camino que recorre el personaje principal así como de los obstáculos que enfrentará, para luego entramar el desarrollo y enriquecer la historia con herramientas narrativas (el uso de flashbacks o las escenas en las que lo que se ve sólo sucede en la imaginación de un personaje, por mencionar algunos), para ilustrar la historia o para configurar posibles desenlaces.

Un planteamiento es una introducción, es el comienzo de una historia; marca el rumbo como si fuera la brújula en el mar, pero también expone la propuesta de historia que trae detrás, así que es, en breve, el primer piso de un edificio y, como en el juego de mesa Jenga, si la pieza de hasta abajo no está bien puesta, el resto se tambalea. De ahí que exponer el planteamiento del relato es un arte en sí.

Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismo  y el cine en general . Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo’.

CINE Y LITERATURA, 90 AÑOS DEL PREMIO ÓSCAR. (I)

“Lo que el viento se llevó.”

Por: Mtro. José Miguel Naranjo Ramírez.

En el recién pasado mes de marzo se cumplieron noventa años que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas entrega el prestigiado premio mayormente conocido como “Óscar”. En el mundo del cine es el galardón de mayor reconocimiento, en estos noventa años la Academia a distinguido a destacados directores, actores, escritores, y muchas de las películas premiadas hoy son un clásico del cine mundial, algunas películas tienen su origen en guiones originales y otras son producto de obras maestras de la literatura universal.

Por lo antes mencionado, el presente mes será dedicado a conocer cuatro obras clásicas de la literatura llevadas al cine y premiadas con el “Óscar” como mejor película. La obra que inicia esta serie literaria fue escrita por Margaret Mitchell bajo el título: “Lo que el viento se llevó” publicada en 1936. La novela fue adaptada y llevada a la pantalla grande en diciembre de 1939. La película es una producción de David O. Selznick y dirigida por Víctor Fleming, los actores y protagonistas estelares son: “Vivien Leigh (Scarlett O´Hara), Clark Gable (Rhett Butler), Leslie Howard (Ashley Wilkes), Olivia de Havilland (Melanie Hamilton)”.

En la actualidad “Lo que el viento se llevó” es considerada una película de culto, Margaret Mitchell demoró un periodo de diez años escribiendo su única novela que la volvería inmortal. El contexto central que narra la obra es la Guerra de Secesión en Estados Unidos que se desarrolló entre 1861 a 1865, pero la obra va más allá de la guerra, viviremos parte de lo que los americanos llamaron la reconstrucción.

En enero de 1861 Georgia se sumó a los Estados del Sur que se estaban separando de los Estados Unidos de América, al final 11 Estados fueron los que conformaron la Confederación de América, los confederados apostaban por continuar con la esclavitud, además, se quejaban que la política federal favorecía los intereses económicos del Norte por encima de los del Sur. Los opositores eran los Estados de la Unión liderados por el Presidente Abraham Lincoln, quienes estaban a favor de la abolición de la esclavitud, las tensiones cada vez eran más fuertes y en abril de 1861 estalló la guerra civil estadounidense.

La historia de la novela inicia precisamente en ese mes de abril de 1861: “Sentada con Stuart y Brent Tarleton a la fresca sombra del porche de Tara, la plantación de su padre, aquella mañana de abril de 1861, la joven ofrecía una imagen linda y atrayente. Scarlett O´Hara no era bella, pero los hombres no solían darse cuenta de ello hasta que se sentían ya cautivos de su embrujo, como les sucedía a los gemelos Tarleton. En su rostro contrastaban acusadamente las delicadas facciones de su madre, una aristócrata de la costa, de familia francesa, con las toscas de su padre, un rozagante irlandés.  Los ojos verdes en la cara de expresión afectadamente dulce eran traviesos, voluntariosos, ansiosos de vida, en franca oposición con su correcto porte. Los modales le habían sido impuestos por las amables amonestaciones y la severa disciplina de su madre; pero los ojos eran completamente suyos.”

El Sur es representado por gente valiente, adinerada, con un enorme gusto por la comida, la fiesta, el whisky, la mayoría de sus habitantes tenían poco o casi nada de afecto a los libros, al teatro, a la cultura, etc. Esto implica que Scarlett O´Hara era una joven cautivante, pero arrogante, caprichosa, engreída, vivía con su familia integrada por sus padres Gerald y su madre Ellen, junto a sus hermanas Carreen y Suellen, más una buena cantidad de esclavos, sirvientes, capataces, y, sobre todo, la joven vivía rodeada de enamorados que pretendían casarse con ella, entre los que se encuentran los gemelos Tarleton.

Scarlett estaba planeando con los gemelos el asistir con sus familias a la barbacoa que ofrecía la familia Wilkes, de pronto los gemelos le platicaron a Scarlett que mañana en la barbacoa, Ashley Wilkes haría público su próximo enlace matrimonial con su prima Menalie Hamilton, la noticia fue para la bella Scarlett como un balde de agua fría, resultó que la joven estaba plenamente enamorada de Ashley, y en ese mismo instante pensó y planeó todo para impedir que Ashley se casará con Melanie y lo hiciera con ella.

En plena fiesta Scarlett se las ingenió para platicar a solas con Ashley, le dijo que lo amaba, él caballerosamente la rechazó, la niña engreída acostumbrada a tener todo lo que quiere le pegó una cachetada y Ashley la dejó sola en la biblioteca, molesta y humillada por el rechazo Scarlett tiro un florero sobre la pared y en ese instante hizo aparición un personaje enigmático y carismático llamado Rhett Butler. Rhett había estado acostado en el sillón y escuchó toda la conversación de Scarlett y Ashley, ella sintió pavor, vergüenza, desesperación, Rhett le dijo que no era una señorita, pero que guardaría su secreto, desde éste momento Scarlett sintió odiarlo.

Por coraje y capricho ese mismo día Scarlett se comprometió en matrimonio con Charles Hamilton, hermano de Melanie y cuñado de Ashley. Obviamente no sentía la mínima atracción y gusto por Charles, a los pocos días los jóvenes se casaron. Charles se fue a la guerra y luego, luego, murió, Scarlett quedó embarazada y tuvo a Wade Hampton, hijo de Charles.

Por motivos de guerra, depresión y aburrimiento, Scarlett fue enviada a Atlanta para que viviera una temporada con su cuñada Melanie mientras Ashley regresaba de la guerra. En Atlanta, la joven sureña se reencontrará con el galante Rhett Butler, su reencuentro no fue muy agradable para la joven, sabía que ese hombre pícaro tenía un secreto suyo:

“–¿No tema, bella señora! Su culpable secreto está encerrado en mi corazón. –¿Oh! –murmuró Scarlett febrilmente –. ¿Cómo puede decir una cosa semejante? –Lo he dicho para tranquilizarla. ¿Qué quiere que le diga? ¿Sea mía, hermosa, o de otra manera lo revelaré todo?”

Entre más convivía con Rhett más desagradable le era, con el paso del tiempo convivieron mucho, aun así, Rhett no dejaba de ser un hombre pícaro, cuando la miraba ella sentía que la desnudaba, pero en el fondo le gustaba, sentía una atracción especial por él.

Los confederados perdían la guerra, Atlanta era de las últimas ciudades por conquistar, Melanie estaba a punto de tener un hijo y Ashley le pidió encarecidamente a Scarlett no abandonara a su esposa mientras él estuviera peleando en la guerra, cuando las tropas de los yanquis llegaron a Atlanta y destruían la ciudad, Scarlett estaba desesperada, sufrían para comer, Melanie se encontraba muriéndose por el parto, no tenían caballos ni carros para abandonar Atlanta, se acordó del repudiado Rhett y pudo más su necesidad que el orgullo, lo mandó a llamar e inmediatamente como pudo Rhett robó un caballo y le salvó la vida de manera heroica a la bella Scarlett, Melanie y a su hijo recién nacido.

Cuando Scarlett llegó maltrecha a Tara a la casa de sus padres, su madre Ellen había muerto el día anterior, su padre por el dolor enloqueció, no había absolutamente nada para comer, toda la zona estaba desecha, incendiada, con todo en contra la joven empezará a tratar de sobrevivir, se verá obligada junto a sus hermanas a trabajar en el campo arando, mal comidas, y aquí es cuando Scarlett pronuncia desde el fondo de su corazón una de las frases más celebres de la novela:

“El hambre volvía a roerle el vacío estómago. Exclamó en voz alta: -Dios sea testigo de que los yanquis no van a poder conmigo. Voy a sobrevivir a estos, y cuando todo termine no volveré a pasar hambre otra vez. Ni yo ni ninguno de los míos, aunque tenga que robar o matar. ¡Dios sea testigo de que nunca más voy a pasar hambre!”

Si la guerra las había dejado en semejante condición, lo peor estaba por venir, era la llamada reconstrucción del Sur. Falta demasiado por recorrer en esta fascinante historia. Scarlett por interés económico y sobrevivencia se casará con Frank Kennedy, pero Rhett Butler jamás desaparecerá de su vida, él la amaba y haría todo por conseguir su amor…

Lo que el viento se llevó

Dir. Victor Fleming

Estados Unidos, 1939

Fragmento 3:22

José Miguel Naranjo Ramírez | miguel_naranjo@hotmail.com | México

Entrevista: Daniel Nájera, Vuelve a Mí, el cine y Cannes

Por: Perla Atanacio

Comienza la Semana de la Crítica en Cannes y México, junto con el Festival Internacional de Cine de Morelia,  estará presente, en el marco del encuentro el director Daniel Nájera Betancourt exhibirá su film “Vuelve a Mí”.  Gracias al productor Arturo Tay tuvimos la oportunidad de conversar con él y esto fue lo que nos dijo…

Hola Daniel, pronto estarás presente en la 57 edición de la Semana de la crítica CANNES, ¿cómo se da esta oportunidad?:

Veníamos de ganar en el Festival de Morelia por cortometraje mexicano de ficción, pasaron los días y al ir a las oficinas del festiva una chica de allí me dice entre broma que ahorre para la Semana de la Crítica y yo sólo me reí sin saber por qué lo decía. Pasó el tiempo y en efecto recibimos una invitación desde allá para ir a exhibir el cortometraje como parte de un  genial proyecto que tienen la Semana de la Crítica y el Festival de Morelia que ambos exhiben mutuamente lo más relevante de cada edición.

Qué significa para ti participar, ¿recibiste algún apoyo  para asistir?

La verdad desde aquella loca noche cuando me mencionan ganador del premio pues… ¿Qué te digo? El veinte tardó días en caerme, como si estuviera aturdido tras recibir la única buena noticia en años para mí. Después empezaron a caer apoyos por ejemplo para post producción y pues la noticia que exhibirán el corto es quizás irrepetible y por lo tanto muy bella por lo inesperado que van sucediendo las cosas como llegar con tremendo laurel a dicha sede, si me da orgullo. Ya después, la Comisión de Filmaciones de Chihuahua, así como las dependencias culturales y de educación les interesó el proyecto mío de ir allá  y finalmente FONCA también nos apoyó.

En la pasada edición del Festival de Cine de Cannes se suscitó la controversia Cannes vs Netflix, ¿cuál es tu postura al respecto?, ¿las películas de Netflix o alguna otra plataforma, tienen, o no tienen derecho a participar en el  Festival?

El festival de cine de Cannes a mi parecer no es un festival de cine digital, así mismo creo que el nacimiento de estas nuevas plataformas trae consigo nuevas formas de hacer las cosas y quizás un cambio sea doloroso pero inevitable. Si los derechos los adquirió alguien pensando que se adecuaría mejor a cierta plataforma sería entrar en un largo debate. Al final estamos hablando en sí de cine y películas que por sí solas no las categorizamos por el tipo de plataforma que puedan obtener.

¿Ahora cuéntanos sobre Vuelve a mí, de qué va esta cinta y cómo surge esta historia?

“Vuelve a mí” es un modo de traer a estas personas que ya no están con nosotros de algún modo u otro, digo un modo puesto que no puedo decir “se trata de esto solamente” y ¿Qué trae esa ausencia? a lo mejor aprendizaje, alguna nostalgia o mero crecimiento. Se buscó emular la vida de este niño, sin música para lograr efectos, quisimos realizar una evocación a modo de recuerdos o episodios y pues hay algo que no se expresa allí pero si se resiente. Esta historia salió de una beca que da el PECDA y me tocó ganar en el 2015 y pues estuve trabajando en ir a Chihuahua y tomar fotos y hablar con gente de un mercado que descubrí por encargo familiar, venden unos caldos de res famosos y resultó ser un lugar descuidado, bonito pero olvidado. Así mismo se propuso como proyecto de tesis en mi escuela anterior, INDIe Centro de Estudios Cinematográfico.

 ¿Cuál ha sido el recorrido en festivales de este film? ¿El público te ha comentado su reacción? ¿Qué te dicen?

Ha tenido un recibimiento moderado, hemos estado también en el Festival Internacional de Cine de Monterrey, en SHORTS México DF, Festival Internacional de Cine de Curaçao, Rotterdam,  y pues al final de las proyecciones me comentan acerca el dirigir a niños que nunca habían actuado, que el corto los ha llevado a un estado diferente a cuando llegaron y pues bueno también hay gente que no le agrada la duración (una señora me pidió que hiciera una versión corta personalizada casi casi) o de plano el corto en sí simplemente no les gustó y dentro de esa gente algunos eran los mismos que compartían proyección conmigo (risas).

¿Cómo director cuál fue tu momento más difícil y cuál el más fácil, o bien el más gratificante sobre Vuelve a mí?

Creo fielmente que para todo esto genial que me ha estado pasando tuve que pagar o mejor dicho sufrir. “Vuelve a mí” ha sido mi lección de vida más bonita; antes de filmar era complicado de México a Chihuahua hacer una producción y asegurarle a tu escuela la cual pone en ti toda la confianza, que lograrás tu sueño fílmico. Teniendo luz verde el rodaje salió bien, pero fue lo que vino después lo que significó algo para mí; desde romper una relación sentimental, no tener empleo o que te ninguneen en ellos, el cambiarme constantemente de lugar para vivir, admitir frente a tu familia que quizás este sueño de cine llegó a su fin y contemplar regresarte a tu ciudad porque no había salida, complicaciones aquí y allá que en su momento lo veía como lo peor pero ahora, extraño esos días en los que tenían ese aprendizaje tras aprendizaje, esos días también son lo más gratificante, afortunadamente ahora todo es más estable.

Como director y realizador, cómo ves el panorama de producción en México, ¿es cómo te lo imaginabas?

Bueno Marcelo Tobar justo ganó allá en Morelia por su película hecha con celular lo cual demuestra que no deberías esperar siempre a sacarte la lotería para hacer la película de tus sueños, hay que adaptarse cuando las cosas no salen como deberían, “Vuelve a mí” fue hecho con muy poco dinero.

¿Qué película o momento te inspiró para decidirte por esta carrera?

Creo que canso a la gente cuando les digo que “La Dolce Vita” es mi película favorita, así como “Una pareja de idiotas”  hasta “El padrino” o “El color de las granadas” de Parajanov; me gustan todo tipo de películas y aspiro a probar muchas voces, creo que hay que reinventarse. Batallo para confiar en la gente endogámica que despreciando todo lo que no es cierto tipo cine terminan haciendo meros tributos de “poesía visual” sin cierto arriesgue o búsqueda personal.

¿Qué le dirías a los jóvenes que estudian cine o que quieren estudiar o dedicarse a esto, cuál sería tu mejor consejo, el que te hubiera gustado que te dieran o el que crees que se debería dar?

A veces creo que el mejor consejo es no hacer caso a todo los consejos que te dicen; la corazonada te dice que tanto, a quien y cuando hay que escuchar. A mí, me funcionaron las cosas a un modo especifico, ojalá no hubiera pasado por tantas peripecias pero a lo mejor que es por eso disfruto tanto esto. Eso sí, de repente había presión conmigo mismo porque pues oye tenía 28 años no ganando algo, ni siquiera era el ya merito; no hay prisa por lograr algo, pero si muévete caón!!

Algo más que quieras agregar:

Yo estoy muy agradecido con la escuela INDIe Centro de Estudios Cinematográficos porque allí me formé, conocí a mis mejores amigos y me han seguido ayudando en cosas de post producción. Agradezco a Martha Liñán porque fue el soporte ayudándome con subtítulos y el envío en estos meses en los que yo no tenía nada de tiempo por cumplir en el C.C.C. y finalmente agradezco a Filmmakersmovie, Arturo Tay y en especial a Alejandra Villalba por todos los consejos.

Gracias Daniel, agradecemos el tiempo y el espacio para concedernos esta entrevista. Te deseamos lo mejor no sólo en la Semana de la Crítica de Cannes, sino también en cada una de esas historias que deseas contar y que serán contadas.

Gracias Filmakers por su lectura,  nos leemos y escuchamos pronto en una nueva entrevista.

Vuelve a mí

Dir. Daniel Nájera Betancourt

Dir. Foto: Alexis Zavala

Ojo a Cortometraje de Ficción Mexicano en el 15° Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

Trailer 00:56

Si quieres conocer más sobre el Centro de Estudios Cinematográficos INDIe, visita su página.

Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | México

Perla R. Atanacio Medellín es Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social, gestora cultural.  Es Productora Audiovisual y cinematográfica,  diseñadora publicitaria.  Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida. 

LUIS MIGUEL BUSCA UNA MUJER, A 30 años del vuelo incondicional

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

En 1988 la música en español vive un torbellino de ritmos y propuestas narrativas que van desde el pop al denominado rock en tu idioma, que cimienta las bases de lo que serán los nuevos ritmos de la década venidera. El rock en tu idioma desde México (Caifanes, Ritmo Peligroso, Bon y los Enemigos del Silencio) hasta Argentina (Charlie García, Soda Estéreo, Enanitos Verdes, Miguel Mateos, Laureano Brizuela, Héroes del Silencio) con escala en España (Nacha Pop, Hombres G, Radio Futura, Miguel Ríos) traerá una ola de sugerentes alternativas grupales y solistas que definirán una época.

La balada romántica en sus diferentes acepciones, daba pauta y ritmo a un pop que seducía con líricas y melodías que lo mismo atendían a historias juveniles (Timbiriche, Menudo, Karina, Flans) que a estribos más adultos (Miguel Bosé, Emmanuel, Mecano, Pandora) y es ahí, donde Luis Miguel izaba su bandera con un sonido distinto al que le había puesto en la palestra musical de América Latina en sus primeros años. Heredero de intérpretes masculinos consagrados como Julio Iglesias, Sandro, José José, Juan Gabriel, Camilo Sesto y Raphael, y contemporáneo de los nuevos valores latinoamericanos de la canción como Chayanne, Luis Miguel había conquistado América Latina desde niño a través de su poderosa voz, presencia y dominio escénico, pero muchos temían el cambio de edad pudiera afectar su nivel interpretativo, lo que no ocurrió ni al cambio de voz entre la niñez y la adolescencia, y que menos afectó su desempeño entre la adolescencia y su paso a la adulta juventud que le vio publicar el exitoso “Soy Como Quiero Ser” en 1987.

Así, en medio de la expectativa de continuar una senda gloriosa tras un disco de grandes sencillos “Ahora Te Puedes Marchar”, “Cuando Calienta el Sol”, “Busca Una Mujer” se aprestaba a ser el nuevo disco del ídolo juvenil, una apuesta que dejaba los covers grandiosos por canciones ex profeso para el cantante, quien ya en la independencia creativa, sostendría su voz en las letras del maestro Juan Carlos Calderón. “Busca Una Mujer” se convirtió en un éxito instantáneo, un disco generacional que consagró al cantante y que lo situó, desde entonces, en la cima de la música en español.

“Fría Como el Viento”, “Culpable o No”, “Por Favor Señora” y “El Primero”, comprenden las baladas de alto impacto en la producción grabada en Ibiza, España, y que se hicieran del dominio popular gracias a las constantes repeticiones en las radios de toda Hispanoamérica mediante su exposición vía sencillo, y más aún gracias a las altas ventas que alcanzó el disco, “Busca Una Mujer” se convirtió en uno de los álbumes más vendidos en la carrera de Luis Miguel y en la historia de México. A las anteriores baladas, “Esa Niña”, “Un Hombre Busca Una Mujer” y la colaboración de Luna Fría para el disco “Pupilas de Gato”, ofrecen una pausa melódica que logra una lista de reproducción equilibrada y del estilo que ya definía al Luis Miguel Pop, Baladas, Up Tempos, y que avistaría los metales que vendrían con fuerza en su disco “20 Años” de 1990. “Soy Un Perdedor” y en especial “Separados”, darían al álbum la fuerza rítmica que permitiría al intérprete desplegar su rango vocal y que le funcionarían a la perfección para el vibrado melódico y emocional de sus conciertos en vivo.

El disco se convirtió en un referente del pop de la década de los ochenta, y a su vez, en un viso de las nuevas tendencias en la balada, y en la forma de conectar con las nuevas generaciones de finales de siglo, Luis Miguel sería la máxima figura de esa etapa histórica, y “Busca Una Mujer” le permitiría sin duda completar la travesía musical, lírica y artística que anhela todo cantante ante los cambios de edad, época y horizonte. Pero fue “La Incondicional”, la canción que envolvería todo adjetivo, la composición perfecta en el momento adecuado, el sencillo ideal para un intérprete y su disco, la balada idónea para un intérprete y su público. “La Incondicional” se convirtió en un himno cargado de magia, fuerza y energía, definiría al cantante y a su audiencia en una relación de complicidad, apego, admiración, agradecimiento y cariño, y tal como la situó el canal VH1, sería considerada la gran balada en español de la década.

Tal consideración, ha recibido por igual el videoclip que en 1989 hizo girar y girar los reproductores BETA Y VHS tratando de grabar y reproducir una y otra vez, las escenas  coreografías y el diseño de producción magistralmente diseñados por el director Pedro Torres, para un vídeo clip que, basado en la exitosa cinta de 1986 “Top Gun”, dirigida por Tony Scott e interpretada por Tom Cruise, tendría un recibimiento apoteósico y de dimensiones nunca antes vistas para un vídeo musical en la historia del pop en español, “Tú, la misma de ayer…la incondicional”, el H. Colegio Militar  de México, el corte de cabello del cantante como un instante de apertura, las secuencias a modo de servicio militar, la bruma, la graduación del colegio, los lentes de sol, los recuerdos, y el vuelo de un avión de la Fuerza Aérea Mexicana en su momento climático, hicieron de esta iniciativa visual, la más celebrada producción audiovisual de la industria discográfica de su tiempo.

Desde 1988 y hasta ya iniciado 1990, “Busca Una Mujer” se estableció como el disco más vendido, escuchado y reproducido incluso en ediciones especiales de vinil, casete y posteriormente masterizado a cd, prácticamente todas las canciones tuvieron espacio en la radio, los vídeos musicales “Fría Como el Viento” y “la Incondicional” ocuparon las programaciones de los canales de vídeos musicales, y Luis Miguel recorrió varios países para más tarde producir su vídeo material “Un Año de Conciertos”. Sería en 1989, durante un programa televisivo con motivo de la promoción de “Busca Una Mujer”, que Luis Miguel compartiría el escenario con el maestro Armando Manzanero, en lo que al devenir, forjaría el primero de sus discos de boleros, la serie Romances iniciaría en 1991 con Romance, el disco grabado en español más vendido de la historia en su momento, pero antes, Luis Miguel disfrutaría del reconocimiento de crítica y audiencia en 1990 con el ya mencionado álbum “20 Años”, que cerraría tres producciones consecutivas de la mano de Juan Carlos Calderón y que constituirían una de las varias etapas doradas en la vida artística del Sol de México.

En MEMORIA, abordamos anteriormente el veinte aniversario del álbum ganador del Grammy “Romances” 1997, con esta “Busca Una Mujer” 1988 en su treinta aniversario, continuamos el serial de Luis Miguel en Filmakersmovie, celebrando la trayectoria del intérprete mexicano y su exitoso regreso a los escenarios.

Luis Miguel

La Incondicional

Dir. Pedro Torres

Álbum: Busca Una Mujer

México, 1988

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

CINESCOPIO: Daniel Day-Lewis

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Único ganador de tres premios Óscar, afamado por su pericia en la selección de personajes, amparado en una trayectoria de interpretaciones que adjetivan la perfección, y envuelto en un halo de misterio, Daniel Day-Lewis se ha consagrado como el más importante actor de su generación, un histrión de su tiempo, que lejos de pretender los reflectores de la fama, que de suyo ha obtenido, o altas cifras de taquilla, concentró su energía en el fluir del arte actoral. Comparado por muchos con otras leyendas de la actuación como Sir Lawrence Olivier o Marlon Brando, Lewis, hasta el momento, aunque comparte con los anteriores una sólida trayectoria en teatro, no combinó efusivamente su vocación hacia la dirección como Oliver ni fue un sex symbol y ave de tempestades como el gran brando. Lewis es una perfecta combinación del actor clásico británico que atiende las tablas del escenario y que al mismo tiempo se adentra a las profundidades del personaje como un consumado actor de método.

Con “Phantom Thread”, la más reciente cinta de Paul Thomas Anderson, Day Lewis dice adiós a las cámaras de cine como actor, y se aleja de las marquesinas, al menos cinematográficas, dejando una huella indeleble, una carrera excepcional y un sello distintivo que pareciera haber sido trazado a perfectas líneas curvas como traza con perfección su personaje de modisto, un oficio que lo mismo requiere habilidad, diseño y astucia, gusto, precisión y sensibilidad, la que lleva al actor, a sumirse en una profunda búsqueda por la perfección creativa, alejando su vida de la realidad, alejando sus sentidos de sentirlos, alejando sus apegos del sentimiento y olvidándose de sí mismo en franca similitud con el compromiso de vida que un artista de método profiere a sus personajes.

Antes de obtener su primero premio Óscar, Day-Lewis pasó de personajes incidentales como en “Ghandi” 1982 de Richard Atenborough, ganadora de Mejor Película y Mejor Actor con Ben Kingsley, Lewis escaló el protagonismo con pasos agigantados y sutiles en cintas de prestigio, “The Bounty” 1984 de Roger Donaldson; “A Room With a View” 1985 de James Ivory (Quien recién ganó el Óscar por Mejor Guión con la espléndida “Call Me By Your Name”) y “The Unbearable Ligthness of Being” 1988 de Philip Kaufman basada en la exitosa novela de Milan Kundera. Pero fue con “My Left Foot” 1989 de Jim Sheridan, que Lewis alcanzó reconocimiento universal, ganando el Óscar en una de las más cerradas contiendas por Mejor Actor que se hayan visto en la historia de los premios de la Academia.

Tom Cruise “Born in the Fourth of July”, Robin Williams “Dead Poets Society”, Morgan Freeman “Driving Miss Daisy” y Keneth Branagh “Henry V”, compartieron una terna de pronóstico reservado. La década de los años 90, trajo para Lewis nuevos retos y una etapa de mayor introspección ideológica, política y actoral, “The Last of the Mohicans” 1992 de Michael Mann; “In The Name of the Father” 1993 de Jim Sheridan que le daría una nueva nominación de la Academia, y con quien más tarde haría “The Boxer” 1998; “The Age of Innocence” 1993 de Martin Scorssese, con quien repetiría complicidad en su reconocida actuación por “Gangs of New York” 2002, compartiendo créditos con Leonardo di Caprio y perdiendo el Óscar con la sorpresa de la noche, Adrien Brody “The Pianist” 2002 de Roman Polansky, quien se impuso no sólo a Lewis sino también a Jack Nicholson “About Schimidt” 2002 de Alexander Payne.

Acostumbrando a la audiencia a prolongados recesos para preparar sus personajes y a la vez tomar tiempo para sí, en una forma de escape, libertad o cercanía a la interioridad artística, el nuevo milenio ofreció a Daniel papeles memorables, epítome de su talento. En 2007 Paul Thomas Anderson le encomendó el papel principal de su aclamada “There Will Be Blood”, la que para muchos es una de las mejores actuaciones masculinas de la historia, en una de las mejores películas no sólo de su década sino del nuevo siglo. Esa temporada los premios llovieron a ramilletes, incluyendo su segundo Óscar a Mejor Actor. Premio que si bien lo encumbraba, aún aguadaba la compañía de una nueva estatuilla, la tercera, la definitiva.

Con “Lincoln” 2012 de Steven Spielberg, Lewis vuelve a los roles biográficos, pero en esta ocasión, sin mayor referente visual que fotografías, descripciones literarias y referencias orales a modo de tradición, que hicieron de su versión del prócer norteamericano, una auténtica creación actoral, que le valió el estatus de, hasta la actualidad, ser el único actor que haya ganado tres premios de la Academia en la categoría de Mejor Actor.

De esta forma y ante su reciente nominación en la 90ª entrega de los Óscares, los reflectores atendieron en parte los movimientos, expresiones y la imagen en sí de un maestro  que, aún a sabiendas de que no recibiría el galardón, pues su compatriota Gary Oldman llegaba con etiqueta de amplio favorito por su extraordinario Winston Churchill en “The Darkest Hours” 2017 de John Wrigth, asistía con la gallardía, caballerosidad y respeto por el oficio que se convirtió en parte de su ser y de la cual, el actor británico, de corazón para muchos irlandés, se despide con “Phantom Thread” dejando en la heredad un testamento de grandeza, amor y pasión por el arte actoral.

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

LA BERLINALE: La Europea Celebración al Cine que Viaja

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Fundado en 1951, la Berlinale, el Festival Internacional de Cine de Berlín, se ha convertido en uno de los más importantes eventos cinematográficos del orbe, una palestra que combina el contenido del cine de autor, el bagaje de la industria y el encuentro de realizadores que retratan desde su óptica distintos tópicos, así como sucesos sociales y políticos. Nacido justo entre las cenizas de la Segunda Guerra Mundial, inmerso en la disyuntiva ideológica que construiría un muro y que le vería derrumbarse, el festival fraguó por convertirse en un punto de unidad mientras la ciudad se dividía.

De esta forma ofreció un espacio de expresión para el cine alternativo, sugerente, atrevido, denunciante y reflexivo sobre temas que difícilmente exploraban las grandes producciones de la industria. Y aunque el medio de los distribuidores habitó desde su inicio el festival, con el paso del tiempo dio cabida a las producciones comerciales para que desde su patrocinio, financiaran actividades coyunturales que reforzaron la exhibición de películas de autor con miras más artísticas que comerciales.

Esta mezcla de arte y glamour, ubicó a la Berlinale al nivel de los certámenes de Venecia y Cannes, convirtiendo el periplo organizativo en una plataforma para los cineastas conceptuales y para quienes atienden la promoción de contenidos. La Berlinale, a reserva de su agendada duración, genera eventos alternos durante todo el año en la mítica ciudad alemana, pues desde su inicio se propuso redimensionar el cine alemán que había tenido a finales de los años veinte y principios de los años treinta un tope creativo, cuya influencia expresionista, vería tras la guerra la llegada del neorrealismo italiano y otras corrientes cinematográficas, converger en un universo paralelo pero simétrico en su necesidad de expresar los dejos del conflicto armado y la división ideológica del pensamiento.

Este año, la edición 68 del célebre festival, atestiguó el triunfo polémico de la película Touch Me Not, dirigida por la rumana Adina Pintilie, que se alzó con el Oso de Oro, máximo reconocimiento del festival, y que ha sido otorgado a cintas míticas y a realizadores legendarios que han hecho de la Berlinale, una de las más importantes celebraciones del séptimo arte.  La primera etapa del festival vio coronarse a La Decisión de Hopson del británico David Lean, consagrado director que en el pico de su carrera alcanzaría en dos ocasiones en Premio Óscar, en 1957 con El Puente Sobre el Río Kwai y en 1962 con la épica Lawrence de Arabia.

Ópera prima del director Sidney Lumet, 12 Hombres en Pugna 1952, se convirtió en un clásico instantáneo, gracias a su argumento dubitativo, que lo mismo pondera los posicionamientos y el prejuicio que la suposición y la vocación por la justicia basada en las evidencias de un asesinato. Un joven acusado de ultimar a su padre, es el argumento que Reginald Rose escribió para televisión, y que en su adaptación cinematográfica catapultó no sólo al director sino al cine policial sustentado en juicios orales a un nivel superlativo, enmarcado en una sala en cuyos asientos convergen la certeza, la duda, la suspicacia, el sentido común, el debate, el diálogo y los acuerdos.

La década de los años cincuenta fue testigo del auge creativo y filosófico del maestro sueco Ingmar Berman, El Séptimo Sello 1957 y Fresas Salvajes 1958 son muestra de ello, y es ésta última la que pobló de halagos la Berdinale concediéndole el premio máximo y alabando las vetas estéticas e interpretativas en el estilo cinematográfico del director oriundo de Upsala. El viaje como escenario narrativo, recurrente en las películas laureadas del festival a lo largo de su historia, muestra un periplo existencial que enhebra argumentos y el pensamiento que deriva en la reflexión constante sobre la vida, la muerte y la existencia humanas.

Francia irrumpiría con fuerza en las postrimerías de la primera década del festival alemán, Claude Chabrol sería reconocido por Los Primos 1959 antes de lograr un despliegue afortunado en el género del suspenso, y abriría la puerta para que Jean-Luc Godard, máximo representante de esa nueva ola que cubriría y se derramaría por completo en el mundo alentando la creatividad lírica, técnica y creativa en el manejo de la imagen, la música, y la voz, Alphaville ganaría el festival justo al medio de la década de los años sesenta, que incluso vería el triunfo de John Schlesinger con Una Manera de Amar 1962; Godard, plantea si la felicidad o si la posibilidad de ser felices, atiende a soslayar aquello que nos brindan los sentidos, el ser humano y sus emociones desde la ciencia ficción, y presenta un futuro distópico donde no es permitido preguntar ni sentir. Berlín premió al estandarte de la nueva ola francesa y por añadidura, hace una crítica social que advierte la premisa de prevenir el advenimiento de nuevos totalitarismos justo cuando la juventud se hace presente y expresa generando movimientos sociales nacidos en la juventud que definirán en mucho los años sesenta, representada en una nueva generación de realizadores, como Roman Polanski, que con Cul-de-Sac 1966, concluiría una etapa de formación y convencimiento de la crítica.

Italia también tendría un papel predominante en la Berlinale durante los años sesenta, Michelangelo Antonioni ganaría el Festival en 1961 con La Noche, y Gian Luigi Polidoro con El Diablo haría lo mismo en 1963, antecediendo el triunfo durante la década de los setenta, años de un profundo caleidoscopio de surrealismo y realismo cinematográfico.

Es entonces cuando el legendario Vittorio De Sica ganaría con El Jardín de los Finzi Contini 1971, y Pier Paolo Pasolini, presentaría Los Cuentos de Cantenburry 1972, segunda entrega en la trilogía de la vida, que incluye El Decamerón de Bocaccio y Las Noches Árabes del popular libro Las Mil Una Noches, como un testamento de literatura medieval, a la que vierte una irreverencia, provocativa, sugerente y surreal, presenta su propuesta visual añadiendo a su adaptación, los presupuestos prosaicos, líricos y poéticos que caracterizaron sus potentes y polémicas secuencias.

Los años setenta serían escenario del triunfo de grandes leyendas como el hindú Sayajit Ray Trueno Distante 1973 y Robert Altman Buffalo Bill y Los Indios 1976, antes de aplaudir al cine español en una seguidilla de galardones consecutivos que se extendió hasta la década de los años ochenta con el triunfo de Carlos Saura y su Deprisa, deprisa 1981. Ícono del cine alemán y de la propia Berlinale, Rainer Werner Fassbinder compartió el resurgimiento del cine alemán desde las nuevas ópticas de su generación, las épicas realistas, histriónicas y casi documentales de Werner Herzog, la propuesta alusiva de la nostalgia y el anhelo como si fuesen un viaje en Win Wenders, y la acción exuberante de Wolfgang Petersen por citar algunos, posicionaron al cine alemán en una palestra que lo mismo ocuparía el televisor que las salas de cine de arte y taquilla.

Fassbinder, construye una visión del mundo desde el realismo social, en la denuncia, en el esfuerzo por situar las nuevas problemáticas y fenómenos sociales que advertía en la naciente globalización y en la migración continua, y a su vez, explora los sentimientos de sus protagonistas y la trama de la cotidianidad a lo largo de constantes vaivenes dramáticos. En La Ansiedad de Veronika Voss, Fassbinder explora la realidad devastada de Alemania tras la guerra y el cómo se posiciona en una nueva ventana de crecimiento económico atenida al proteccionismo y a la dual ideología que lo mismo atemoriza las influencias, que desarrolla la industria y potencializa la economía generando contrastes que resultan indolentes a quienes los habitan desde los sentimientos, el amor o la infancia.

Si el festival pudiera más tarde ser criticado por apoyar cintas de estudio hollywoodense, el propio festival se encargó de difuminar las críticas con el triunfo del cinema independiente que se abría paso en Hollywood al medio de una década caracterizada por el dictamen de los blockbusters. Pionero de la realización alternativa, actor y director, John Cassavetes hizo de La Fuerza del Amor un retrato profuso de la filial relación entre dos hermanos, Robert y Sarah, interpretados intensamente por el propio Cassavetes y Gena Rowlands respectivamente, que tras las vicisitudes del amor, la paternidad, el abandono, la ausente inspiración y el desgaste de la búsqueda de un regazo fraterno, se hayan cual salvavidas en el sentido del amor.

Un serial de cuentos acompasados al peregrinaje de la fe y las creencias que conllevan el viaje a la Catedral de Cantenburry en el Reino Unido, conforman el corolario narrativo escrito por Geoffrey Chaucer entre finales del siglo XIV y el siglo XV, obra cumbre de las postrimerías de la Edad Media, donde un banquete aguarda a los comensales viajeros que confluyen la travesía como una promesa.

Protagonizada por Dustin Hoffman y Tom Cruise, Cuando los Hermanos se Encuentran de Barry Levinson, continuó una década histórica para la Berlinale, por una parte el estruendo que causó la victoria de Zhang Yimou, Sorgo Rojo 1987, y por otra parte el advenimiento de la caída de un muro en que había separado la ciudad por casi treinta años en 1989, amén de la caída de igual forma del régimen comunista. En ese entorno, Cuando los Hermanos se Encuentran 1988, logró un hito artístico y comercial que incluso han puesto en duda su valía cinematográfica.

Y es que las críticas van de la acusación de una trama armada para el sentimentalismo, a la caricaturización del autismo, no obstante, el carisma de sus protagonistas, la emotividad de las imágenes, la música de Hans Zimmer, el recorrido por una carretera, ciudades, parajes, un juego del pícaro sitio en Las Vegas, el desliz por las escaleras eléctricas de dos atuendos gemelos o un baile al elevador, hicieron de la película un auténtico triunfo taquillero que logró no sólo ganar la Berlinale sino también el Premio Óscar a Mejor Película y ser, al mismo tiempo, la película más taquillera de ese año. Situaciones divertidas, angustiantes, desafíos, triunfos, rabietas, ataques y ansiedades, brindan un corolario de imágenes que Ray va capturando en la furtiva travesía, en una cámara fotográfica que captura los cruces de caminos, las señales, y los sentimientos fraternales que al final, dejan abierta la puerta para futuros reencuentros.

Los años noventa recibieron películas variopintas, Costa Gravas, Casa de Música 1990, Ang Lee, El Banquete de Bodas 1992, Jim Sheridan, En El Nombre del Padre 1993, Milos Forman, El Escándalo de Larry Flynt 1996 y Walter Sales, Estación Central 1998, fueron algunos de los realizadores ganadores. Casi veinte años después de su última película, Terrence Mallick, mítico cineasta y filósofo estadounidense, presentó en la Berlinale, su épica visión de la Segunda Guerra Mundial, envuelta en una fotografía dinámica, pero con la misma poética de fondo que en cada palabra suelta los dolos y la recurrente voz en off de los personajes que lo mismo interactúan la supervivencia y la estrategia, que recuerdan y evocan lo querido. Un regreso triunfal para el director texano que tras dos obras maestras Malas Tierras 1973 y Días de Gloria 1978, decidió avocarse hacia el silencio cinematográfico y alternar su pasión a la búsqueda de respuestas filosóficas que definirían un giro a su oferta creativa.

No obstante, con el paso del tiempo la consideración de La Delgada Línea Roja como una obra superior a las anteriores, ha dominado la discusión polifónica, como polifónica es la narrativa de esta extraordinaria película que triunfó en Berlín y consolidó aún más a su legendario director. El Oso de Oro del Festival Internacional de Berlín tendría de esta forma destinatarios suigéneris y a la vez altamente reconocidos, fuese por su trayectoria, propuesta o innovación cinematográfica-conceptual, lo que sin duda, daría pauta para el festival de cara al nuevo siglo.

Y justo en esos albores cuyas lindes dibujan el fin del milenio y el inicio de uno nuevo, los temores, angustias, las filias y fobias dominaban las incipientes pero nacientes redes sociales y los medios masivos de comunicación; la internet por completo se ponía a prueba para anunciar el cambio de siglo y sus consecuencias probables de caos y trasformación; el advenimiento de un futuro incierto, del devenir y de su locura, de la incertidumbre. El fin de la historia, su reescritura, o el fondo de un agujero negro sin fondo, matizaron los últimos meses del año, la esperanza no era una constante, el miedo una posibilidad, la matemática caería y el mundo sucumbiría a sus propias reglas mediante siglas indescifrables. Nada de esto sucedió, al menos como estaba estipulado al darse las cero horas del primer día del año 2000.

Paul Thomas Anderson condensa la caída de la posmodernidad y su pesquisa de identidades en una pieza de dolor, arrepentimiento, vacío y desesperación; cada uno de los personajes interconectados con la casualidad, con la casualidad o con el infortunio, portan en sus líneas y sobre todo en sus expresiones, la suma de todos los miedos y ansiedades que la falta de cariño, apego y motivos corresponden. La búsqueda de un estado de felicidad que parece no existir, la resignación, el sueño lúcido o las máscaras que cubren las secretas intenciones caracterizan las notas musicales de una canción compartida, de una risa amable, de una petición rota, de un intento fallido y de las buenas acciones sin objeto ni sentido.  Magnolia es una bella página en la historia del cine contemporáneo, bella aunque duela, bella aunque asuste, bella aunque en sí misma parezca deplorable o poco atractiva.

La pléyade de grandes actuaciones deja su huella como si el papel fuese ese lienzo en donde caben las mareas, los temblores y el arcoíris al final de la tormenta. Julianne Moore, John C. Reilly, Phillip Seymour Hoffman, William H. Macy, Felicity Huffman, Jason Robards -en su último papel- entre otros, acompañan la poderosa, cínica, sensible y quizá mejor actuación en la carrera de Tom Cruise, para hacer de “Magnolia” una de las mejores películas de la década, una reflexión individual y colectiva a la paradoja, a los sentimientos, apegos, a la confirmación de un gran director y al advenimiento de una lluvia impregnada de los más vacíos aromas posmodernos.

Continuando con el cine asiático y su impacto en la Berlinale, Hayao Miyazaki cimbró los límites de la narrativa cinematográfica en el festival, cuando en el año 2001 conquistó Berlín y todas las ciudades y países donde fue mostrada la obra maestra de la animación del Siglo XXI. Miyazaki ahonda la vida y la muerte como un viaje, los sueños, anhelos e ilusiones ante la pérdida del ser humano y la búsqueda de la libertad como una metáfora que surge desde la imaginación que la posibilita.

Los padres de Shihiro parecen transformarse en cerdos al internarse en una ciudad mágica, que de noche parece cobrar vida y afectar a modo de hechizo a los visitantes, Shihiro lucha entonces por terminar las maldiciones que liberen el entorno y a sus padres, mientras da cuenta de que el imaginario sucede en sus sueños, o en una realidad alterna en la que sus padres aguardan sin haber sido hechizados. El viaje de Shihiro representa un punto climático en la cinematografía de Miyazaki, y en una de las más celebradas películas en la historia del cine animado. Paul Greenbrass, Domingo Sangriento 2002, Fatih Akin, Contra la Pared 2004, Claudia Llosa, La Teta Asustada, 2009, serían algunos de los ganadores que cerraban una primera década alternativa, la más quizá, de toda la historia del festival hasta ese momento.

La presente década se ha caracterizado por una continua pluralidad narrativa pero también por la fuerte carga política de muchos de los títulos que conforman la muestra, y que dan cuenta de la globalización cultural y contracultural que acompañan, derivan y causan los nuevos contextos internacionales. De esta forma la tecnología comunicacional, así como el auge y determinación de las redes sociales, coexisten con los distintos movimientos que surgen e inspiran películas alrededor del mundo. César Debe Morir 2012, de los hermanos Paolo y Vittorio Taviani, Taxi 2015, de Jafar Panahi y Fuego en el Mar 2016, de Gianfranco Rosi, causaron estupor y revuelo en cada una de las ediciones donde fueron premiadas.

El cine asiático ha estado representado por diversas cintas y directores de culto en la Berlinale, pero sin duda fue Una Separación de Asghard Farhadi, la que hasta el momento cimbró no una sino varias categorías del prestigiado festival alemán. La separación como tópico, la situación política como circunstancia, y la migración como consecuencia de un contexto que determina la clase media de Irán a la que pertenecen sus protagonistas, envuelven una historia de amor que se traba entre los anhelos, la desesperación, la resignación y la posibilidad como una difusa alternativa. Farhardi plantea la irresoluble decisión de divorcio en una pareja que ante una pléyade de situaciones y conflictos, debe ponderar su devenir a la decisión de un niño que asume sobre sus hombros ya no la separación, sino el silencio que se avecina como respuesta.

Una poesía lírica, emotiva, profunda, desgarradora desde sus silencios, tenue de dolor en sus no dados abrazos y una original pieza romántica no convencional, hacen de En Cuerpo y Alma, una aproximación a las relaciones humanas desde la empatía y los sueños. Ildiko Enyedi presenta un marco visual enmarcado en un ambiente obrero, un rastro, donde la crueldad o la necesidad humana cohabitan, como cohabitan los sentimientos inexpresivos de la cotidianidad que sin pretenderlo, asiste al milagro de la mutualidad. Enyedi, hace de esta película húngara un viso de ambigüedad que porta por una parte, las imágenes desafiantes de un rastro donde la muerte de animales y la sangre derramada por los procesos sanitarios, puede ser la misma que en una tina de baño pudiera derramarse por la astenia. En Cuerpo y Alma apunta con celeridad que cualquier espacio puede albergar la esperanza, el amor y la salvación para el abandono, así sean los sueños.

Hacia el aniversario 70 del festival, los nuevos retos de la Berlinale incluyen el posicionamiento de nuevas técnicas de creación cinematográfica, diferentes plataformas de exhibición y complejos contextos que delimitarán los distintos perfiles del certamen.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

Memoria: Sandro de América, la serie de ídolo

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Roberto Sánchez, quien en la intención de sus padres debió llamarse Sandor Papadópoulus, asumió el nombre artístico de Sandro para conquistar los corazones, la emoción y la energía de millones de fanáticas de la música Latinoamérica en las décadas de los años sesenta y setenta, teniendo en el interludio de ambas, su punto más alto, su clímax. Nacido en 1945, el cantautor argentino, admirador de Elvis Presley, repartidor a vendimias de vino, hogareño, admirador de su padre, devoto de su madre y amigo de Óscar Anderle, Sandro logró el éxito musical que paulatinamente lo consagró como un huracán que azoto los vientos de una generación ávida de un desfogue emocional, que había transitado por el rock and roll latinoamericano más melódico-grupal, y que se disponía a dejar fluir el rock and roll más físico, erótico y sexual, que el propio Elvis ya había arremetido desde finales de los años cincuenta.

Sandro asumió la responsabilidad inicial de esta tarea desde mediados de la década, y como voz principal, fortuita asunción desde su liderazgo en la banda “Los de Fuego”, fue delimitando los alcances vocales, artísticos y coreográficos que le caracterizaría. Su voz dramática, rozando vibrantes compases, su lírica en prosa poética que lo mismo hacía alusión a la mujer, a la naturaleza y a la divinidad, en metafórica interacción narrativa desde su etapa solista, dejo fincados sendos himnos que conquistaron escenarios desde el Madison Square Garden o el Carnegie Hall de Nueva York en Estados Unidos, hasta el Luna Park de Buenos Aires, pasando por la agitación en México, Puerto Rico, Venezuela, e incluso dejando izada su bandera epistolar en el Festival de Viña del Mar en Chile.

“Tengo”, “El Deseo de Vivir”, “Una Muchacha y Una Guitarra”, “Ave de Paso”, “Penumbras”, “Porque Te Amo”, “Rosa…Rosa”, “Penas”, “Te Propongo” “y “Trigal” entre otros, conformaron un serial de temas que durante décadas pasaron de ser sencillos exitosos, a delinear la heredad de un mito artístico único en América. En los años en que México aguardaba la entrega de su relevo musical espaciado entre Enrique Guzmán y la enorme voz de José José o el impresionante talento de Juan Gabriel, España continuaba aplaudiendo las dotes de un Raphael ya consagrado y el advenimiento de Julio Iglesias o posteriormente de Camilo Sesto; Argentina aportaba a la escena musical de la balada un variado repertorio de figuras, Leo Dan, Leonardo Favio, Palito Ortega, y el propio Sandro.

La idolatría con la que su audiencia se entregaba en los recitales, la entrega hacia sus composiciones, la reacción intempestiva, el frenesí destellante ante sus movimientos y bailes, que parecían desangrarle y desvanecerle en el escenario, se volvieron fundacionales en la escena musical de Hispanoamérica, la que no volvería a ser la misma, y que en los años ochenta y noventa atestiguaría la consolidación de otros ídolos musicales como Ricky Martin, Enrique Iglesias, Chayanne, y en especial, el del galardonado ícono mexicano Luis Miguel, admirador de Frank Sinatra y también de Elvis. Sandro, leyenda y mito, personaje, es también el protagonista inspirador de la serie que comparte a través de 13 capítulos, la vida y obra del cantante anidado en Banfield, en cuyo origen húngaro se inspirase considerarlo un Gitano, que bien compagina con ese ir y venir por la palestra musical y a la vez por asentarse en el amor a su madre y en su apego por su amada Argentina.

Sandro de América, la serie, está basada en la biografía Sandro de América de Graciela Guiñazú, escrita por Esther Feldman y Mariano Vera, está dirigida por Israel Adrián Caetano, y cuenta con la interpretación estelar de un trinomio actoral que aborda diferentes etapas en la vida del cantante, Agustín Sullivan en su juventud, Marco Antonio Caponi en su adultez, y Antonio Grimau en su vejez. La tercia actoral encarna con suma cercanía física los movimientos, actitudes y expresión artística, así como logra cautivar en la nostalgia, los dejos de una época definida por un personaje. Recrear diferentes países de América Latina a lo largo de varias décadas ha resultado un reto, más allá del diseño de arte y ambientación, la percepción de un público que igualmente habita reacciones distintas a medida que los contextos definen los gustos y apegos.

El estreno de la serie sobre el cantautor argentino que desató las pasiones que forjaron su legado, se suma a la seguidilla de series televisivas y de contenido en distintas plataformas que se han filmado sobre figuras de la canción latinoamericana, pero, al igual que la serie sobre Juan Gabriel resultó exitosa y bien recibida, Sandro de América es una de las mejor realizadas. Independientemente de su contenido biográfico, que atiende a la intencionalidad, a la licencia narrativa y a la expectativa del público, los valores de producción, actuación y dirección, sobresalen del resto de las hasta ahora estrenadas.

“Tus labios de rubí de rojo carmesí…”, “Yo quiero volar por el mundo y recorrer, libre y sin pensar que tendré que volver otra vez”, “Si algo a de morir…moriré yo por ti”, son algunas de las frases que hicieron de las ya citadas canciones “Porque te amo”, “Ave de Paso” y “Rosa…rosa” himnos de su tiempo, pero también para definir el andar de un cantante que superó sus orígenes y circunstancias, impulsó un sueño y vivió la vorágine de su éxito como él mismo decía, ícono, leyenda y mito, por siempre Sandro, Sandro de América.

Sandro de América

Telefé

Argentina 2018

Canal Youtube: Agustín Sullivan

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

Contextos: Los avatares poéticos de Miguel Soto

Lo que amamos concluye

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Lo que amamos concluye, fue la primera obra que tuve el gusto de compartir en el ciclo “Detrás de la Pluma” que junto a Poesía sin Permiso, la Biblioteca Carlos Fuentes y Filmakersmovie, llevamos a cabo en México.

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Con el rostro posado en la mirada, esa que de frente alienta los últimos suspiros, los suspiros de nosotros, de los otros, de aquellos, los suspiros de las huellas, de la muerte que habita como la vida en la memoria, así habitamos la inmortalidad de la poesía donde se forjan las huellas de nuestros pasos, esa poesía insolente que lo mismo reta que afirma, que lo mismo goza que duele, la de Miguel Soto. Lo que amamos concluye, segundo poemario del autor coahuilense, es la metamorfosis de la muerte que recuerda, que llora, que libera, en sus versos encontramos el lago deshabitado que en su soledad deja escapar un aire silencioso que envuelve al llano, donde la muerte es nuestra, es invierno y es el resplandor del humo impregnado de penas.

La poesía de Miguel Soto, en Lo que amamos concluye refleja la trascendencia de la caricia, la ausencia que pacta con el dolor, que pacta con el espíritu, que pacta con el alma del yo lector. En cada verso de Miguel Soto, somos lienzo, la lluvia, el aguacero y sus gotas, la muerte no parece muerte, y las aves especulan hielo y desierto, son el desconsuelo de los rezos, el cobijo del dolor que consume o renace, donde podemos soñar a las doce en punto justo ahí, donde Soto nos sugiere abrazar la evocación de Don Quijote y Dulcinea.

Para el poeta somos polvo y extrañamiento, somos silencio, somos eco, el mismo eco que se escucha y pacta salidas en callejones sin retorno. En sus brotes funestos encontramos que, como afirma, sugiere o invita Miguel sin errar la existencia y sus designios, lo que amamos concluye, y en esa finitud, nos encontramos desnudos ante el canto de las alondras donde comienza y termina la vida, donde pactamos con la muerte porque la vida trasciende como una raíz, como el amor, y esa sinergia el amor concluye y deviene.

La raíz es para Miguel inexorable como lo es para nosotros el descifrar los misterios del alma, pero a diferencia de las preguntas sin respuesta que recurren nuestros días, el poeta ofrece la respuesta del verso como un amuleto que sólo es posible obtener en la poesía.

Los suspiros ancestrales para Miguel representan una apología a los muertos que forman figuras de sal y polvo, que nuevamente se anidan en lugares de todos propios, donde inicia y termina el mundo, como un círculo que se regenera desde la línea y sus inexistentes puntos. Justo en ese lugar donde morimos un poco sobre la tierra, donde respiramos el olor a sangre porque estamos vivos, y a los muertos somos caos y somos poemas.

En Miguel Soto gana la herida que abierta lacera el alma y la aquieta en la ironía del dolor que celebra y lamenta lo vivido, que explora la profundidad de la muerte y sus rincones para continuar esos pactos recurrentes en Miguel sobre los tiempos, los ojos y hasta prontos. Es Miguel una conciencia clara que brinda luz en la penumbra de la partida, que al abandono acompaña, que a lo fraterno empatía, su poesía libre, lo es porque abraza los versos acompasados de insolencia, denuncia e ideales, que debate la injusticia sí, pero aboga la respuesta de abrazar la vida desde la poesía.

Lo que amamos concluye no es una sentencia, no es una consigna, no es una afirmación o amenaza, es una invitación a darnos por entero y sin reservas a lo amado, con su fugacidad y plenitud con lo finito y lo eterno de la vida.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |ivan@filmakersmovie.com | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

CINESCOPIO: GUILLERMO DEL TORO

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

A mediados de los años ochenta, el suspenso y la sorpresa se conjugaron en sendos capítulos del serial televisivo La Hora Marcada, donde a paso firme irrumpía un joven director jalisciense para explorar desde entonces, distintas formas de plasmar imágenes en movimiento mediante una narrativa que describe oníricos mundos y que transmite el sentir de una narrativa propia: Guillermo del Toro. Apegado a la reacción de su audiencia mediante secuencias que van del terror al suspenso, de la aventura al heroísmo, de la ficción a la historia y del duelo al amor, las emociones humanas se condensan en un universo tan genuino como tradicional, tan universal como íntimo, y en todo caso, rebasa los géneros para posicionarse como una forma única de contar experiencias de vida desde la creatividad, la condición humana y la imaginación que lo mismo evoca clásicas realizaciones cinematográficas, que genera el impacto consecuente de un asombro continuo.

Guillermo del Toro, nacido en 1964, profiere características simbólicas que confieren un sustento significativo a su estilo que vuelca escalofríos, provoca reacciones impredecibles y apela sin cuartel a la condición humana que es capaz de generar dolor, crueldad, ternura, compasión y a su vez dibujar horizontes compartidos en la vía de la esperanza que fluye como fluyen en sus tramas las experiencias de vida. En CINESCOPIO celebramos la trayectoria de del Toro inició hace 25 años con el estreno de su ópera prima Cronos, al tiempo que reflexionamos su más reciente cinta La Forma del Agua, su décima entrega fílmica. Ganadora del León de Venecia a Mejor Película, La Forma del Agua impregna a la audiencia de una macabra belleza que cautiva, una obra maestra definitiva en el canon del realizador mexicano que se ha convertido en un estandarte del cine de autor, capaz de crear una atmósfera que resulta familiar al espectador acorde a sus elementos característicos, y a su vez, innovadora por la forma en que cada uno de ellos aparece, emerge o se transforma, sea desde el ámbito narrativo o desde el ámbito visual, en todas sus películas.

Invención y Supervivencia

 En Cronos revoluciona la narrativa visual latinoamericana al mecanismo de engranes de reloj, la forma elegida por el ser humano para encapsular el tiempo continuo sin detenerlo y sólo medirlo, propone una concepción borgiana del espacio, explora las posibilidades creativas desde el mito hacia la inmortalidad y la aspiración del ser humano por suspender al espacio el tiempo de la vida y prolongarlo en la eternidad. La invención como un proceso creativo y manipulador de la existencia, cohabita con la vampiresa tendencia que otorga un poder energético a la sangre, que en su fluir genera, multiplica y rejuvenece, que es mocedad y muerte, tiempo y vida.

En Mimic, 1997, su primera incursión en Hollywood, el director hace una declaratoria a modo de ratificación de que, amén de los monstruos, fantasmas, espectros, hadas, seres mágicos y robots, los insectos serían un sello peculiar de su propuesta lírica. Adaptada del relato Mímica de Donald A. Wollheim, Mimic ofrece una aproximación literaria a la metáfora argumental de Metamorfosis de Frank Kafka, donde los insectos pueden mimetizarse incluso con los humanos o los humanos transformarse en insectos ante el vacío, la incertidumbre o la monotonía, algo que David Cronenberg lograría desde un enfoque más científico, donde con maestría refleja la manipulación de la natura para la transportación de moléculas y que concluye accidentalmente en la metamorfosis de especies en su remake de La Mosca de 1986. Guillermo Del Toro, también Fundador del Festival de Cine de Guadalajara, sitúa la enfermedad que contagia y una investigación que busca la cura que sane, como dos procesos simultáneos donde el segundo culmina primero e incrementa los alcances del primero. El integumento de los insectos, los límites y alcances de la evolución, el presupuesto del súper hombre que caracteriza la modernidad y las resoluciones especializadas y divergentes de la posmodernidad, se aprestan al mito de la autodestrucción de la humanidad ante la natura que muta y la acción humana que manipula.

En Pacific Rim del Toro concibe portales interdimensionales que permiten que dos especies puedan unirse en desagravio, y por ese portal la población de las ciudades más grandes del Pacífico, San Francisco, Santiago, Tokyo, ven caer sus edificios, construcciones, puentes vía las garras de colosales monstruos (Kaijus) que gigantes destruyen todo a su paso.

Para combatir a estos descomunales seres, es preciso desarrollar puentes que no unan dimensiones sino la mente de dos pilotos que conduzcan el movimiento acompasado en supervivencia sobre los denominados jaergers, el heroísmo exacerbado en la dicotomía del fracaso y el éxito, del temor y la valentía, brindan una fortaleza descriptiva al guión que el propio del Toro co escribe con Travis Beacham. Titanes del Pacífico es una de las películas originales más impactantes de la ciencia ficción de la presente década, épica, audaz, dinámica y emotiva, demuestra el manejo que el director puede tener de un alto presupuesto para plasmar su imaginario al cinema y no sólo entretener sino impactar a las distintas audiencias del mundo.

El Terror y la Guerra

La Guerra Civil Española (1936-1939) se presenta por vez primera en la filmografía de del Toro a través de El Espinazo del Diablo, 2001, una palestra donde las emociones humanas alcanzan el límite del dolor y la desesperanza. Es quizá, la primera cinta de del Toro que hace de su narrativa una poesía épica, donde los elementos característicos del director se plasman con total naturalidad desde la prosa,  en esta producción de Pedro Almodóvar y hermanos encontramos dos dimensiones, el contexto histórico de la guerra, y la circunstancia de la inocencia ante ella.

Los fantasmas y apariciones, así como los momentos de confrontación que definen el inicio y el final de la trama, coadyuvan el discernimiento que bifurca los senderos que los personajes deben alcanzar para sobrevivir no sólo la orfandad sino al ataque de la milicia por ideologías que ellos desconocen. Las creaturas del horror representan símbolos que confrontan a los personajes con la otredad, la maldad y la bondad intrínsecas en el universo de las posibilidades, el mito en diferentes acepciones y los artefactos u objetos como símbolos. Pero el espinazo más que un hueso de la maldad o un referente de territorio, es en realidad la búsqueda de un refugio republicano ante las cientos de muertes ocasionadas por el franquismo durante la guerra, y en donde los huérfanos sobrevivientes entre los niños abandonados y vulnerables, aguardan la justicia y el descubrimiento de secretos inconfesables. El dolor de la guerra se muestra desde sus consecuencias, la dualidad de un conflicto fratricida argumenta la ausente incomprensión y la crueldad ante la violencia y el poder.

Si bien El Espinazo del Diablo profundiza el terror del conflicto armado, será El Laberinto del Fauno 2006, la cinta que consumará en asunción climática a del Toro, obra maestra de la cinematografía de la primera década del siglo XXI, El Laberinto del Fauno alcanzo un reconocimiento casi unánime desde su realización, la película se adentra en la estructura narrativa en dos planos que aunada a su trama emocional, presenta la crítica y la denuncia de la guerra pero también rebasa el presupuesto histórico para delatar el abuso femenino, el abuso infantil, la ambición, la tragedia de las luchas fratricidas, las consecuencias de los conflictos entre bandos, la no victoria en la guerra y la imaginación como un escape de la realidad. El portal, elemento indispensable en el imaginario de del Toro, quien suma a sus reconocimientos los premios Ariel y Goya, permitirá que Ofelia, su protagonista, de sentido a los cuentos que le apasionan y acuda a vivir su propia fábula de princesas, seres mágicos e inmortalidad, que acuerdan el anhelo de habitar el mundo de los humanos, cuando ella, quizá, quiere habitar el mundo de la fantasía, esa misma que la fábula del director mexicano presenta con angustia, dolor y esperanza.

Cada una de las pruebas conjuga un riesgo como riesgo que clandestinamente corren al armar a la resistencia sus conocidos, quienes después serán una especie de amigos al exilio de la rebeldía. Dos dimensiones, dos mundos, dos desenlaces, la vida y la muerte como únicas posibilidades determinadas por la guerra, conforman el ambiente decorado por árboles, llanuras y nubes oscuras de soles donde Ofelia busca la vida al procurarla en el cuidado de una raíz de mandrágora que semeja la enfermedad y su cura,  una acción que provoca dolor y que genera la acción de sanar la herida. En El Laberinto del Fauno, aparecen el relato que une la fantasía con la realidad, la historia y la leyenda, así como diversos símbolos.

En tanto encontramos o interpretamos referencias en búsqueda sobre la cueva de Platón, los laberintos de Borges, sus entradas y sus salidas, los insectos y los monstruos, la naturaleza y el artificio, el fauno y el jengibre, las hadas y los portales que separan dos mundos y los unen, así, tal como sucede con los seres humanos y sus ideologías, tal y como el mundo de la realidad imagina portales que hacen posible la realización de los sueños.

Heroísmo y Movimiento

Guillermo del Toro ha grabado su nombre con peculiar fuerza en el cine de súper héroes, lo hizo incluso en los albores, del tercer boom de los mismos, si consideramos que Superman 1978 Richard Donner, Batman 1999 Tim Burton, y Spiderman 2002 Sam Raimi, relanzaron el cine de súper héroes, que viera su clímax con El Caballero de la Noche 2008 Christopher Nolan, y su ser sólo industria en Los Vengadores 2012 Josh Whedon. Secuela de la cinta Blade de 1998 dirigida por Sthepen Norrington, Blade 2 ofrece a diferencia de su antecesora, una visión de autor que convierte una cinta de comic convencional en una propuesta narrativa de mayor profundidad filosófica. La sangre como alimento, la necesidad de beberla y del ser humano por tenerla, generan una diatriba por demás interesante que sostiene la ética del híbrido protagonista, mitad humano, mitad vampiro, en su afán vocativo por combatir a una cepa de vampiros que atentan no sólo con ambas especies si pudieran así denominarse en diferencia.

Guillermo del Toro plantea dos elementos clave, la amistad en la búsqueda casi apostolar por su amigo Whistler, aunado al compañerismo encarnado en el personaje Scud, y la definición como un componente ineludible del desenlace, es decir, los personajes toman decisiones pero hay un destino que los alcanza al tomarlas. La sangre como elemento y el ímpetu monstruoso por alimentarse de ella, remite al origen del mito de los vampiros una visión que debate el presupuesto literario del siglo XIX en la creación de vida por el hombre que encumbraran Mary Shelley y Bram Stoker, y logra que la visión originaria del mito como relato, actualice una visión posmoderna del cambio de milenio que apela la urgencia ética del deber ser.

En Hellboy 2004, sembrar el mal y cosechar el bien resultaría una suma de factores cuyo resultado pareciera imposible o de origen perverso, irreversible, incomprensible a la luz de la ética y del bien como propósito, una siembra de mal que cosecha bien debido a la circunstancia, al contexto, al azar y a una suma de situaciones que derivan en la formación de un súper héroe diferente, genuino, que lo mismo es un adulto cercano a la tercera edad, que un rebelde sin causa debitando entre la adolescencia y la juventud. Guillermo del Toro hace de su trabajo en Blade 2, un pasaje portentoso de tonos oscuros que en Hellboy dará un color cobrizo a su pasaje por los comics.

Si alguna historieta hubiera estado elaborada para que el director mexicano pudiera ofrecer una visión de dos dimensiones, esa es Hellboy, donde su protagonista no envejece y debe adaptarse al paso de la historia al cruce de pasajes mágicos que separan el tiempo real con el fantástico de la historia y que construye portales entre el  mal y el bien como dos mundos opuestos pero incluyentes, en los que cohabitan seres mágicos y seres humanos. Una dualidad clave que se suma a la concatenación de pareos, despliega una confabulación que coloca en diferentes planos las dudas existenciales sobre la secrecía de la identidad, lo público y lo privado como ámbitos, ser y no ser parte de dos mundos y al mismo tiempo cobijarlos, así como atender a una vocación contraria para lo que se fue creado, hacer el mal y terminar haciendo el bien.

A diferencia de la primera entrega de Hellboy, Hell Boy 2 ofrece una aproximación más íntima del personaje hacia los mudos que habita, sea de forma sobrenatural, pluridimensional o el asumir la responsabilidad de una identidad oculta o de un heroísmo anónimo en un mundo pero reconocido en otro, Hellboy recuerda y anida los recuerdos de navidades que en la compañía de su padre, atesoran sentimientos recelosos, rebeldes pero siempre enternecedores en lo que pudiera considerarse una cinta con tintes políticos que  explora la guerra, la tregua, los acuerdos y desacuerdos de facciones al tiempo que da cuenta del amor y del sentido de la vida. da vida con una actuación de movimientos sugerentes al arte cual mimo, y a partir de él crea una atmósfera de introspección filial y fraterna que interrelaciona el amor como una motivación que el propio Hellboy experimentará desde su deseo de formar un hogar, construir una casa y ser resguardo de sus gemelos.

De Intriga y Amor 

Pero no sólo es la fantasía, el horror, la supervivencia desde las invenciones, los monstruos y seres capaces de habitar dos dimensiones, tampoco es el suspenso per se o el horror sorprendente, no es la guerra como un detonante de la realidad en la fantasía ni la aventura como encargo del destino, no es la ciencia y la tecnología en su avance dicotómico, es también la vida, la muerte y el amor que en diversas dimensiones se manifiesta para cimentar las variopintas bases narrativas y visuales del genio mexicano.

En La Cumbre Escarlata, Crimson Peak 2015, una trama sustentada en la fantasmagórica misiva que a modo de advertencia, da cuenta de la arcilla y los jales donde ésta se encuentra o se vislumbra, el director ganador del Premio Ariel, asienta las bases de la expectativa en la imaginación de quien anhela por una parte ser escritora, y por otra, afronta el desengaño como premisa de la vivencia que relatará tras su experiencia paranormal como guía.

La Cumbre Escarlata entrelaza la habilidad del director para manejar los engaños y secuencias del suspenso, que atienen a su influencia directa de Alfred Hithcock y Francois Truffaut, con la transformación de los fantasmas ante los descubrimientos que la protagonista confirma poco a poco, el fantasma negro es ahora una cofradía de espectros escarlatas como escarlata es la arcilla que ante la nieve baña el blanco por el rojo. Ilusión, ambición, incesto, tradición, engaño, espejismos, apariciones y una extraña infusión de la culpa como condena, conforman un serial de acciones continuas que convergen al color del dolor y de la tierra. No obstante la tragedia de la trama, del Toro presenta una alternativa redentora del fantasma en la libertad del personaje principal, y a la vez la delegación cual herencia de una pena que se sienta a tocar el piano por la eternidad, aquello que podemos hacer por amor hasta que alguien más pose sus pasos en el rojo de la arcilla que baña de sangre la nieve al invierno. Y es a través del amor donde el director despliega toda su sensibilidad y la empatía con la profundidad del amor irrealizable pero posible gracias a la capacidad de los amantes por sentirlo, La Forma del Agua, The Shape of Water 2017 es una película que conjuga un guión bellamente trazado por del Toro junto a Vanessa Taylor tanto en sus secuencias como en la profundidad de sus reflexiones, expuestas cual si fuesen soliloquios en diálogo.

Situada en la Guerra Fría, al medio de los avances científicos y tecnológicos que se desarrollaron tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, La Forma del Agua narra una historia íntima que pudiera resultar la simple historia de amor tras un encuentro fortuito, y que sin embargo, es la compleja manifestación de los sentimientos del corazón que de tanto sentir no sabe cómo cualificar las intensidades que remembran sus historias televisivas; una niña se adentra en las profundidades de la superficie y topa monstruos ante la inocencia.

Sus personajes permiten una relación de amistad y anhelos que fenecen en la eternidad como presenta El Laberinto del Fauno, es La Bella y la Bestia de Jean Cocteau la que viene a mi recuerdo al presenciar La Forma del Agua y sentir en la conexión de los personajes el fluir de una relación pluridimensional entre dos seres. En La Forma del Agua fluye una historia de amor entre dos seres vulnerables que contrastan la invisibilidad con la visibilidad y el alarido contenido con la mudez de las palabras que no pueden expresarse más sí sentirse en la caricia.

Sally Hawkins logra una actuación extraordinaria que bien cimienta su multifacética trayectoria y que alcanza matices oníricos, acompañados por las actuaciones igualmente soberbias de Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, y una vez más de Doug Jones, quien junto a Federico Luppi y Ron Perlman conforma el tridente de actores fetiches del director mexicano, Jones da vida a la criatura en esta propuesta fílmica que, tal como hemos enunciado anteriormente, revisita el debate teórico entre el romanticismo, el positivismo, la guerra y la paz, el avance dual de la ciencia y la tecnología, la modernidad y la posmodernidad en todas sus dimensiones narrativas y filosóficas desde el séptimo arte. La Forma del Agua es una trama de persecución que devela los sentimientos y avatares de la condición humana, el odio y la ambición, el amor y la compasión, que abre una pregunta generadora sobre los límites del ser humano ante sus acciones, ante su capacidad de sentir y abrazar los sentidos sin el prejuicio, que bien le valdrán sólidas nominaciones al Premio Óscar a Mejor Película, Guión Original y Director. En La Forma del Agua del Toro despliega un climático arcoíris de claroscuros temáticos que van de la ciencia ficción a la fantasía, de la fantasía al drama, del drama al thriller, y del thriller al suspenso para volver la trama hacia los acontecimientos históricos y a la imaginación de un amor que es libre porque se ama, y de una vida que aprisiona situaciones que al vivirlas se liberan.

Nota: Fotografía de portada Guillermo del Toro El Clarin.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com